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世界は一人(劇の感想)

公演日程
    2019年2月24日 (日) 〜2019年3月17日 (日) 
会場
    東京芸術劇場 プレイハウス
作・演出
    岩井秀人
音楽
    前野健太
出演
    松尾スズキ 松たか子 瑛太/
    平田敦子 菅原永二 平原テツ 古川琴音
演奏
    前野健太と世界は一人
    (Vo,Gt.前野健太、B.種石幸也、Pf.佐山こうた、Drs.小宮山純平) 

今まで何本か舞台劇の感想を書いたけど、この舞台はかなり違う感触をもった。たとえば流山ブルーバードでは、舞台と客との呼吸がピタリと合う感じがあった。世界は一人はそうではない。「どうしてここで左隣の人、笑うんだろう?」とか「え、すごい可笑しいのに何でピクリともしない?右隣の人」と、感じる瞬間がたびたびあった。ぜんぜん他の客と息が合わない。

他にも変な特徴がたくさんある。一人の役者が担う役が一つじゃない(いや、明瞭にはわからなかったけど、そうだった)。二つとか、三つの、他の人物に変移する。場合によってはいきなりナレーションぽいことまでする。年齢にも縛りがない。なんせ、松尾スズキと瑛太と松たか子が同級生だ。さらには、生まれてきた子がいきなし小太りのおばちゃんだ。 

もしわたしが劇を作れたとしても、ぜったいにわたしの頭の中から出てきそうもない要素が続く。言ってみれば、「他者感覚」が半端ない。これは、むしろ珍しいことだと途中から気づいた。同じ日本に暮らして同じ空気を吸っていたら、どうしても常識的に共有するものが出来てしまうからだ。

といっても、全然共通点がないわけでもない。田辺(という名前だと思った。松たか子)とゴロウ(松尾スズキ)が夫婦喧嘩をする。松たか子の声はとても美しい。この劇、そうとは知らなかったのだけど実はミュージカル要素がふんだんに盛り込まれている。なので役者が歌を歌う。松たか子の歌声はすごく良い。

その美しい声で夫相手に憎悪の声を上げるのだ。「そう、みんなあたしのせいだって言うのね! みんなあたしが悪いのね!」等々。

一体、世の中の夫婦のどれくらいの割合が夫婦喧嘩をするのか不明だけれど、ひとたび始まれば、お互いが子ども時代へと逆行するんだと思う。子ども時代はまだ夫婦でも何でもないし、子ども時代に起きたことにお互い責任があるわけでもないのに、子どもへと変移する。松たか子の罵り声は、大人の女の声であり、子どもの声だ。

自死や洗脳やせいしんの病や産業廃棄物の汚泥など、つらくてどす黒い波が 寄せては返す。そうそう、パイプカットって、いつやったんだ? いやもうそれ確認しないと、と思ったけど、そんなこと、息子が父に聞けるはずもなくて。悲しくて可笑しくて。

毒性の高い汚泥がどこに廃棄されたのか? という疑問がリフレインされる。こっちはすっかり忘れているのだけど、繰り返し出てくる。結論としては、砂浜に捨てられていたらしい。砂浜って、みんなが遊ぶ場所じゃない。ひどい。不安が全身に広がる。

「誰もあたしを求めてない」と最後の方で田辺が言っていて胸にささった。その言葉はどこで言うべきだったのか、その場所でもあるし、子どもの頃でもあるし、客の胸の中かもしれない。言うべき言葉とか人物の要素が分解されて、あちこちに偏在している。少女(例の小太りのおばちゃんと同一人物)が何か言うと、それが救いなのかなと思った(依童や座敷童の原理)。けれど、少女の言ったことは、あー…… と思うことだった。嘘くさい救いではなかった。それに、子どもは依童ではない。あくまでも大人が考えないといけないことだから。

わたしが考えるとすぐに教訓引き出し型になってしまう。そうすると、考えがまとまるような気がするのだ。実際は教訓などはない。ただかみしめよう、絶望と不安とさみしさと、どこからか不思議と湧き上がってくる楽しさを。

市ヶ尾の坂(舞台劇)観た

出演: 作・演出/岩松了
出演/大森南朋、麻生久美子、三浦貴大、森優作、池津祥子、岩松了

舞台の演劇をみに行くの、これで4回目くらいかな。

市ヶ尾の坂は、前回行った劇場で配られていたチラシで知った。

チラシでみる限り、家族構成がちょっと変則的な家族物のようだった。つまり、家族間の人間関係が平凡な日常の中に描き出されるのではないだろうか? おそらくはちょっと風変わりなセリフとともに……

といった感じのイメージでみたところ、そうであったともいえるし、そうでなかったともいえる。なんというか、得意になって感想を言うタイプの劇ではなくて、しんみりした感覚を残す。三人の兄弟がたあいのないセリフでやたら盛り上がっていたので、不思議な兄弟だなと思いながらみたのだけど、最後のシーンで、あああっと思わせた。この兄弟、「それ」が見たさに、あんなに盛り上がっていたのか? この兄弟、実は胸に秘めたる悲しみと思慕をもって馬鹿馬鹿しいほどにじゃれあっていた!? いや違うかも……

劇の紹介ページを見ると、麻生久美子さんは「美貌の人妻」設定だったようだ。が、わたしの席は遠かったため美貌とかはよくわからなかった。だんだん、映画やテレビドラマとの違いがわかってきたのだけど、芝居の場合は、自分の席から見えたもの聞こえたものがすべてだ。ところが前者にはカメラアングル、というものがあって、これがそもそも「編集作業」であり「見せ方」なのである。その前に相撲を観に行ったのだけど、その時にとてもそれを思った。栃ノ心が、すさまじい闘志をこめて自らの体をバシンコバシンコとぶったたいているのが、テレビだとよく伝わる。が、両国国技館の上の方の、うーーんと遠くからだと、小さくしか見えない。つまりテレビカメラは、この闘志を見せようという意思をもっている。国技館の上のほーーうの席だと、そんな意思は介入できない。良くも悪くも。

だから、同じ演劇でも、近くで観た人と、後ろの方で観た人では感想が違ってくると思う。遠くてもセリフはとてもはっきりと聞こえるからぜんぜん大丈夫。美貌の人妻が熱を込めて何を言い出すのかと思ったら、”3っつの風車が時間差で回っていて”、っていう、それがどうした? って感じの話で、けどそう思ってしまったらお互い話しなんかできないよなあってのもあって。だって芸人や咄家でもないわたしたちが、どんだけ面白可笑しい話しができるのかっていったら限界あるわけで。それに生きてる世界は、脚本家の書いたシナリオや劇画やアニメじゃないんだから、コマーシャルな話しなんかできないし。人の感覚や想いや経験ってむちゃくちゃ個別的で人と共有しがたいものたくさんあるし。

にしても、このお芝居って、最後までみたら、もう一回みるべきなのじゃないかな?

リンク

岩松了の演出方法に大森南朋、麻生久美子が思わず戦慄!?『市ヶ尾の坂―伝説の虹の三兄弟』インタビュー | SPICE – エンタメ特化型情報メディア スパイス
M&Oplaysプロデュース 「市ヶ尾の坂-伝説の虹の三兄弟」|公演/舞台のチケット情報・販売・購入・予約|e+(イープラス)
名古屋と静岡のチケットが取れそう……かな

流山ブルーバード

わたしは流山に住んでいたことがある。
演劇って面白いなと目覚めたことは目覚めたが、これを観た理由はそれだけなので、登場する役者や演出家への造詣はナッシングである。

10人の登場人物が流山を舞台に、いろんな事を言ったりやったりするこの芝居、何より引き込まれたのは、彼、彼女らのセリフやアクションのタイミングがぴたりと客の呼吸と一致していることじゃないだろうか。

たとえば一番の山場ともいえる、ナイフを持った足立健(太賀)がスナックで感情を爆発させる場面。爆発させた理由は、親友の高橋満(賀来賢人)と妻の美咲(小野ゆり子)が浮気していたからであるが、そういう状況を経験したことのない、この場に居合わせた大半の観客(観客の6割以上は女性と見受けられた)にとって、その心理は想像するほかはない。そのため足立の動きは予測のつかない不気味なものであったが、方や対峙する高橋の方なら幾分想像がつく。責められる、経験ならばあるからだ(まぁ全員とは言わないが少なくともわたしは)。

責められ身が固くなる。返事もできない。包丁を振り回しているがそれを止めることもできない。強要された乾杯には嫌だが応じるしかない。質問されれば無理にでも返事をする。そんな一個一個の反応が、見ているこちらと少しもずれていない。

こういった事は他の場面でもそうだ。退屈だから始めてしまった風俗の出張先で高橋国男(皆川猿時)に会った時の、爪切りどこだ発言へのリアクションも、自分ならこうだろうな、という反応の域にある。対する国男の、「セックスしたい!!」も、ここでそう力説しないとしないまま終わりそうなスリルを回避できていて、自分でもそうするだろうという、性別を超えた説得力があった。

劇の全体が、そんな風に、自分の反応→自分の暮らし→自分の精神と向き合えるようなところがある。劇の最後のセリフが胸に響き続ける中、役者達が舞台に並んでお辞儀をした。劇が終わったのだ。その時に大きな拍手が沸き起こった。拍手はいつまでも続いていた。その拍手の強さも長さも、ぴたりと自分の感覚と一致していた。

観客の90%は、流山に住んだことも、ラブホに松戸を選んだことも、家が魚屋で隣人が大きな声で輪廻について話す人だったことも、ダイニングキッチンの隣が便所ということも、カラオケで感動しない「粉雪」と湘南の風を歌う友達がいることも、さらには喫煙者とも思えないが、この芝居が投げたボールは客の胸に確実に届いていた。

その感覚の中で帰路につけたことが、とても豊かな気持ちにさせた。

東京以外では、島根、大阪、広島、静岡でも上演するようだ。果たして、流山からも江古田(これもちょっとしたスポット。チェーホフの三人姉妹のセリフとか)からも、うんと遠いここらの土地での反応はどうなんだろう? 


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プレイヤーという舞台を見た

『プレイヤー』の見取り図のつもりの自作イラスト
『プレイヤー』の見取り図のつもり。

劇団四季以外の演劇を見るの初めてなんで、最初、舞台に立つ人たちを見たとき、「この関係、何? 変」と思った。普段自分を取り囲む人間関係には、家族やご近所さんや同僚、あるいはすれ違っただけの、電車で居合わせただけのと色々ある。が、「人が舞台に立っていて、こちらはその姿を見ていて、相手はこちらを見ない」という関係ははじめてで、とても奇妙に感じた。これは特に、『プレイヤー』の役者さんたちが、どこにでもいる身近な人に見えたから、特別に感じたんだと思う。

舞台は、ラジオ番組の収録スタジオから始まる。奥まったところに小さなセットがあり、役者二名が向き合って会話をしている。役者のうち一人は有名人の「仲村トオル」さんなのはすぐに分かった。「仲村トオルさんて意外と普通の人なんだなあ」と感心して見た。のだけど、セリフが妙にギクシャクしている。自分が演劇を見たことないから下手に見えるのか、もともと演劇の演技とはこういう感じなのか分からないまま見ていた。そうしたらなんと、そのスタジオはこの演劇中でもセットであり、ふたりはラジオのパーソナリティとゲストの演技をしている市民劇団員1だったのである。

つまり、わざとギクシャクさせていた、のだろう。舞台全体が明るくなると、劇団員や市長などの人々が総勢10人くらいあらわれた。特徴的なのはたくさんパイプ椅子が並んでいることだ。リハーサルを見守る演出家やプロデューサーや、出待ちの役者が座るためだろう。椅子は人の尻(肉体)をのせる。椅子は人が居る/来ることが想定されない場所には不要だ。劇中の椅子の数は、登場人物の数に比べて多すぎるため、どうしてこんなに並んでいるんだろうとずっと考えて、途中で思いついたのが、<今、この場に居合わせている観客も含めた、居合わせたすべての人間>という意味ではないだろうか? と。(ややもっともらしすぎて恥ずかしいが)

舞台上にいるのは、どこか地方の市民会館の劇団員だ。ある者は東京での活動歴があるし、地元を出たことのない人もいて、背景はさまざまだ。これには「いいところをついてくれたな」と思った。と、いうのも「なぜ地域地域に劇団がないのか?」と常々疑問に思っていたからだ。むかし筒井康隆の本で読んだが、演劇は人間の表現活動の中でもっとも古いものだという。小説なんかはせいぜい19世紀あたりからなのに比べ、もう圧倒的に古い。たぶん紀元前。

演じることは人間の原初の本能、とまで言っていた。それならば、もっと日常的に演劇に接していいのではないだろうか? ところが現実は、わざわざ都市部に出向かないと演劇なるものは見れないし、そのチケットを取るのさえ容易ではない。クオリティのうんと高い演劇はプロフェッショナルな人々が行うとしても、単に舞台に立って何かを演じ、表現するのは、あるいはそれを見るのは、もっと身近でもいいのではないだろうか? そのための空間が地域ごとにあるならば、その地域の特色や問題を盛り込んだ内容になれるのだ。

地域といえば当方、先日「地域包括ケアシステム」についてPOSTした。本来は地域住民が自発的に、身の回りの介護やケアの必要な人を気にかけるようなコミュニティになれば、「無縁死」「孤独死」も防げる。だが実際は、なかなかそうはいかない。町内会班長の下の組長になるのすら擦った揉んだが起きているくらい、地域住民と関わろうとしない。面倒な(しかも無償)役割を義務感で引き受けるのなど、誰もが嫌がるってことだ(少なくとも現在のところ)。ここらへん、厚労省も「どうせやらないね」と思ったのか、「保険外サービス」を紹介したりと、無難な方へ流れている。

そう考えると、義務ばかりを押しつけられるよりも、楽しい演劇空間を共有することで地域コミュニティが育つのではないかと夢想するのだがどうだろうか? しかし経済活動にならないため、やる人も少ないと、思われる。何でもかんでも金である。作中、「人類のバージョンアップ」という流れで「資本主義の行き詰まり」や「環境問題」という概念が出てくるのであるが、芝居的に言えば「資本主義」の行き詰まりはスターシステムにのっからないと客が集まらないとか、そういうことじゃないだろうか。

そんなで劇中劇であるため、意識が外へ向かったり内に入ったりと往来する。しかも「プレイヤー」を具現化するために瞑想したり座禅したりする課程で無意識を意識することになる。当初、市民劇団が次回上演予定の芝居のリハーサルをしている、という形で「プレイヤー」は演じられていた。その時は「プレイヤー」の演出家やプロデューサーが側にいて、演技を褒めたりアドバイスしていた。そのたび観客は「ああ、これは『プレイヤー』を演じている最中だ」と、思い出す、という案配であるし、あるいは「今は『プレイヤー』を演じているとこなんだよね」と、ワケが分からなくなった頭で隅っこの演出家やプロデューサーの姿を確認することになる。

劇中の「プレイヤー」に引き込まれては「現実(劇)」に戻され、「現実(劇)」に引き込まれてはまた「プレイヤー」に押し戻されと、行ったり来たりでだんだんこっちは気持ちの悪い意識状態になっていく。これ、下手にやると、というか上手にやり過ぎると本気で怖い。教祖による「集団催眠」や「集団自殺」って、難しくないのかもしれない。ことに終盤にさしかかると、頼みの綱の演出家とプロデューサーさえもが、「プレイヤー」の登場人物のようになっていくため、尚更だ。

宣伝文句に「サイコホラー」という言葉があったが、映画やドラマで見るホラーとは違って、空間を共有しているがゆえの怖さがある。お目当ての「藤原竜也」さんも、10年着古したユニクロみたいな服を着ているせいか、いたって普通の人に見えた。しかも出番は後半はほとんどない。というか、いることはいるんだが、すっかり「プレイヤー」であることを受け入れてしまったので、融け込んでいる。なので、教祖と戦ったりとかはしない。コレといった主役は特にいない。有名俳優が出てなくても成り立つ内容なのだ。けど、やっぱり居ることでの効果はあるのはある。

「ネットに上げる」というセリフで舞台は終わるのだが、それ、どういうこと? と風変わりな余韻になった。「プレイヤー」の原作は、もともとは地元出身の作家**が書いた。**は東京で孤独死したのであるが、同じく地元出身の女性プロデューサー☆☆(舞台上でずっと劇を見守り続けていた。ときどきセリフあり)がホンをみつけたのだ。小さく報道された**の死の中で、**は「無職」となっていた。それが☆☆は悔しくて「プレイヤー」を地元の市民会館で上演することに決意した。

とはいえ、「プレイヤー」は未完だったがため、☆☆は、役者達の生きる=演じる行為から発生するものに賭けた。その結果としての「プレイヤー」をネットにあげ拡散しプレイヤーを増殖させる。という意味にも取れるし、結果としての「プレイヤー」を、たとえば何らかの賞への応募なり、ハリウッドの何かなりに「上げる」のではなくネットが意味するのは、通常なら「無職」と切り捨てられる側からの資本主義への反撃とも取れるし……

シアターコクーン(という劇場)に入るとき、ドサッと、ものすごい束を渡された。その時は分からなかったが、今さっき確認したら、チラシの束なのである。さまざまな演劇の。その数49演劇だ。一人の役者は同一時間に他の場所に居られないことを考えると、こんなに沢山あること自体が驚きだ。この社会に生きる形について、考えたチラシ郡だ。

チラシを散らかしたところ
チラシを散らかしたところ。自分が流山に住んでいたことがあるため、流山ブルーバードというのが一番気になった。ローカル嗜好。

  1. 市民劇団とも違うかもしれません。

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